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14 de febrero de 2025
ESTILO DE VIDA

Javier Arizabalo: “En el arte nunca llegaremos a lo perfecto; los obsesivos lo buscan”

PINTOR HIPERREALISTA

Maestro francés considerado uno de los mejores artistas realistas del mundo.

 

Por Héctor Díaz

“El arte no es su valor económico, ni su complejidad, yo lo veo como una experiencia, desde mi punto de vista de actor en ello, pero no descarto que, para muchos, estar en la Capilla Sixtina viendo los frescos de Miguel Ángel, o tener en una habitación de su villa un cuadro único de Leonardo, sea lo que les hace sentir y apreciar algo”, expresa Javier Arizavalo García, considerado uno de los mejores artistas del mundo.

En la vida como en el arte, nada es perfecto, pero ¿todo es perfectible? -le pregunto y me responde con su sentido reflexivo:

“Por un lado, está lo que es, y por el otro lo que percibimos y pensamos que es, y en este mundo interno del pensamiento es donde aparece la ilusión que algo es perfecto o no, agradable o no, de las proyecciones, de las opiniones. Nunca llegaremos a lo perfecto, porque si no todo estaría quieto, no existiría ni tiempo, ni espacio, y no pensaríamos. Solo las personas más obsesivas son las que tenderían a esa búsqueda de lo más perfecto.

“Me siento bien logrando hacer cosas que antes de hacerlas no se como van a ser, es como si surgieran”, nos comparte Javier Arizabalo.

“Una pintura puede ser descriptiva, o informal y no tener características de poema. Me quedaría con que una pintura es un lenguaje de relación de formas, que asociamos a conceptos e imágenes, igualmente que con las palabras”.

 

¿Qué es el Realismo?

Entiendo que es aquella visión o representación que intenta acercarse a lo que creemos que es lo real, las cosas que suceden, las personas que nombramos y damos unas características, etc… pero que al estar inmersos en un entorno e interpretación determinadas damos por natural, por real.

 

¿Cómo decide que pintar?

A veces es una cuestión de la dinámica en la que estás inmerso, de lo que haces habitualmente, a veces son cosas, personas y situaciones que te encuentras en el camino de la vida y que vas descubriendo. Por último, estaría lo que consideraría retos y mitificaciones que intento alcanzar.

 

¿Qué es lo que no se ve en una sesión fotográfica con modelos para sus obras?

En una sesión fotográfica ves con la técnica del fotógrafo, la idea de lo que quieres conseguir en tu pintura, seguro que hay muchas cosas que no se ven y otras que se encuentran. El fotógrafo es un cazador que a veces no sabe lo que va a cazar, y el pintor un agricultor que no sabe cómo le va a salir la cosecha.

“Mis obras son los momentos fijados materialmente que paso con ellas, desde el instante que actúo junto a lo representado, que saco una fotografía, hasta cuando estoy ejecutando el cuadro de manera concentrada”.

¿Qué tan importante es la composición?

Si no hay composición o está mal hecha, la obra no se comprende, es como una frase donde  colocamos sujeto, verbo o predicado donde nos da la gana, pues hay algo que tu ves que no encaja. La composición es la base para entender lo que queremos decir y dar importancia.

 

¿Qué tan importante es la temática?

Cualquier obra, y dependiendo del contexto, nos puede llevar a un pensamiento.

¿Cogeríamos para leer un libro de pastas blancas si lo vemos expuesto en una estantería?, seguro que por curiosidad lo abriríamos, pero sí, tenemos preferencias, y como espectadores   necesitamos a veces esa temática con la que comulgamos.

 

¿Qué tan importante es la paleta?

Es relativamente importante.

Nuestro cerebro tiene la plasticidad para creer o crear realidades, podemos ver una película en blanco y negro de mediados del siglo XX e introducirnos en el contexto. Eso en el arte lleva a que podamos interpretar como realista un dibujo en blanco y negro.

Si pensamos en que debemos representar la “realidad” a todo color, sí que debemos de tener una paleta de colores pensada, pero como nos enseña, por ejemplo, la paleta limitada de Anders Zorn, con cuatro matices podemos dar esa sensación.

¿Qué tan importante es el juego de luces?

Sin luz no hay visión, y como ya aprendí, es más importante la tonalidad que el color, para dar la sensación de volumen, de espacio y de dimensiones,. El color es dependiente de esta, y de las capacidades de reflexión de los distintos materiales, de las distintas longitudes de onda que componen la luz blanca.

Probablemente los pintores antiguos daban un valor más importante a la luz, ya que estaban más limitados y conscientes de lo que era tener una buena luz, no disponían de todas las fuentes de luz artificiales que disponemos ahora, y damos por naturales.

En todo esto, el pintor debe reflexionar lo que es la luz, los puntos de luz, las características de esta, si es puntual o difusa, su temperatura de color.

En ser consciente de la luz me ha ayudado mi experiencia en fotografía, dibujo y diseño. Todo ello me ayuda a apreciar, y como he dicho, ser más consciente, dotando de más riqueza a mis trabajos.

 

¿Cuáles son las obras más complicadas de pintar?

Eso lo tiene que decir cada artista, de acuerdo a sus conocimientos, formación y riesgos que asuma. Si me quedo con la palabra “complicada” de la pregunta, las más complejas en número de personajes y su composición, trabajando la figuración.

También podemos verlo desde el lado de la eficacia en la expresión de algún concepto, objetivos, o incluso de la simplicidad de la obra, sabemos que esta simplicidad puede ayudar a la eficiencia y retención de la imagen en la memoria.

Por último, tenemos la influencia del momento cultural que se vive, si creemos en la alternancia de las épocas clásicas y barrocas, parecería que el barroquismo implicaría mayor dificultad, pero como antes he dicho, conseguir una eficaz simplicidad puede serlo también.

 

«Una pintura es un poema sin palabras», dijo el poeta Horacio

Lo mismo que existen distintos estilos literarios, existen distintos estilos pictóricos, y me lleva a pensar que la frase de Horacio solo se queda con uno solo. Una pintura puede ser descriptiva, o informal y no tener características de poema. Me quedaría con que una pintura es un lenguaje de relación de formas, que asociamos a conceptos e imágenes, igualmente que con las palabras.

“En todo momento creo en la maravilla que es la realidad, percibirla, analizarla, y estoy seguro que alguna vez, alguien, delante de uno de mis trabajos, le va a dar una interpretación”, nos dice Javier Arizabalo.

“La historia es un discurso a lo largo del tiempo, y la unidad mínima de esa historia es como un átomo y sus partículas detenidas en un momento, ese instante, esa unidad mínima en el tiempo, existe desde nuestra posición de observador y no necesita ser justificada, el elemento existe y el observador observa”.

¿Las obras –aparentemente– sencillas, son en realidad las más complejas?

Como lo he comentado antes, llegar a la simplicidad puede ser también complicado, porque hay que quedarse con lo esencial.

Si mediante la eliminación del adorno y lo superfluo, la modernidad llega a los elementos esenciales, por ejemplo, en la construcción de un edificio con una forma que es reflejo de su esencia constructiva, columnas que sostienen el peso de los planos de los pisos, esto ha venido de la reflexión.

Podría poner un ejemplo concreto, la silla Brno diseñada por Mies van der Rohe y Lilly Reich, de estilo tubular, busca economizar y simplificar mediante procesos industriales la construcción de este elemento del mobiliario, que cumple su función y a la vez podemos decir que es bello.

 

No todas las obras realistas, hiperrealistas o fotorrealistas expresan algo ¿por qué?

Para mí se trata de una pura actitud contemplativa de la realidad, que por qué no puede tener el mismo valor que todo un discurso. ¿La realidad expresa o es solo una interpretación de nuestro discurso mental? ¿No cobra sentido y es necesario el silencio como pausa de cualquier sonido?

 

¿Es necesario que una obra cuente una historia? ¿por qué?

Realmente yo no lo veo necesario.

En el límite último, entiendo que cualquier cosa puede ser re-presentada, hasta el vacío más absoluto, como “blanco sobre blanco” de Kazimir Malévich.

La historia es un discurso a lo largo del tiempo, y la unidad mínima de esa historia es como un átomo y sus partículas detenidas en un momento, ese instante, esa unidad mínima en el tiempo, existe desde nuestra posición de observador y no necesita ser justificada, el elemento existe y el observador observa.

A veces parece que el artista necesita justificar su obra con palabras, es una cómoda manera, también, en que determinada corriente menosprecia a otra. Esto mismo le ocurre a la pintura fotorrealista que algunos interpretan como carente de interés, desde el lado de los que explican una obra vacía con un discurso a veces falsamente intelectual, y al revés ocurre lo mismo, figurativos que no dan valor a lo que no representa.

 

¿Un dibujo puede ser tan bueno como una pintura? 

Creo que podemos dar el mismo valor a un dibujo, por supuesto. Una obra musical de un minuto con un instrumento puede ser tan emocionante como una sinfonía.

Recuerdo, hace ya años, unos trazos de tinta sobre un abanico chino antiguo que me emocionó, sentí como si el artista lo hubiera hecho en ese momento de manera magistral, permaneciendo ahí eternamente, la persona, el movimiento, el momento, la atmósfera, todo, creo que explico donde pongo el valor.

El arte no es su valor económico, ni su complejidad, yo lo veo como una experiencia, desde mi punto de vista de actor en ello, pero no descarto que, para muchos, estar en la Capilla Sixtina viendo los frescos de Miguel Ángel, o tener en una habitación de su villa un cuadro único de Leonardo, sea lo que les hace sentir y apreciar algo.

¿En qué cree espiritualmente? ¿Su trabajo lo expresa?

Mis obras son los momentos fijados materialmente que paso con ellas, desde el instante que actúo junto a lo representado, que saco una fotografía, hasta cuando estoy ejecutando el cuadro de manera concentrada. En todo momento creo en la maravilla que es la realidad, percibirla, analizarla, y estoy seguro que alguna vez, alguien, delante de uno de mis trabajos, le va a dar una interpretación.

 

¿Cuál es la diferencia entre el Realismo europeo y el latinoamericano?

Nuestras bases formativas, incluso me atrevo a decir que las diferencias se expresan en cada país. Noto esa diferencia entre la historia cultural que por ejemplo tiene México, sus símbolos, su interpretación de la realidad, su historia, los espacios a los que va destinado. Meter a todos los países hispanoamericanos, con sus diferencias, dentro del mismo conjunto, no lo veo, aunque si hay un cierto trasvase cultural de España a Hispanoamérica durante el periodo del reino español y los virreinatos.

El Realismo europeo tampoco es homogéneo, por mucho que formemos parte de ese llamado continente europeo. Aunque debido a la globalización, también cultural, cada vez el arte se hace más indistinguible del origen de su creador.

En España ha pesado la influencia de las Colecciones Reales de pintura durante el siglo de oro y posteriores. También recibimos influencia de los movimientos europeos, influencia italiana, tenemos el impresionismo de Sorolla, y más recientemente el realismo de figuras como Antonio López, con su gran peso, todo lo cual ha hecho que hayamos recibido influencias variadas, que han hecho del movimiento realista español grande y atractivo, incluso para artistas hispanoamericanos.

 

¿La pintura clásica se ve opacada por la pintura contemporánea?

La pintura contemporánea no hubiera sido sin los modos de trabajar anteriores. Si consideramos a Picasso uno de los artistas bisagra entre la tradición y la modernidad, no se separó nunca de un cierto clasicismo.

Tampoco podemos apreciar la pintura contemporánea sin las enseñanzas de la pintura tradicional, la falla tectónica que separa estos supuestos dos tiempos, es irreal, creada tal vez por intentar vender novedad y moda.

En último término, los dos juegan con los mismos materiales, obedecen a los mismos condicionantes, y trabajan con elementos abstractos, dependiendo de a que distancia y lugar los observamos.

 

¿Pinta por placer, por soledad, para vivir, para trascender… por qué lo hace usted?

Cuando fui pequeño me refugié en la pintura y dibujo por mi falta de comunicación, ahora es el modo de relacionarme con el mundo, por un lado, y también de aislarme en la concentración de mi trabajo, que me hace no dispersarme. Me siento bien logrando hacer cosas que antes de hacerlas no se como van a ser, es como si surgieran.

¿Cuál es la diferencia entre un artista y un pintor?

Diría que en el artista existe la comparación de este con un creador, una idea moderna de que podemos cambiar o crear el mundo en vez de adaptarnos a él, alguien que ha desarrollado una maestría frente a los que no, y que crea algo nuevo donde antes no lo había.

Por otro lado, el pintor estaría reducido a la simple actividad mecánica, y sus propuestas tendrían menos valor.

¿Pero quién tendría la capacidad de discernimiento entre lo que es arte y pintura?, ¿quién se arrogaría dicha capacidad?, ¿el intelectual, el maestro, el sabio, el experto?, cada uno dentro de nuestras capacidades tenemos nuestra opinión.

 

Considero sus obras momentos eternos de belleza, ¿qué opinión le merece?

La belleza no es algo tangible y menos eterna, sino cambiante, está mediatizada por un ideario a nivel social y por el juicio y la sensibilidad a nivel particular, pero sí, mis obras están imbuidas de una idea de que la realidad es bella. Ver y sentir es un regalo en sentido positivo, salvo cuando uno sufre y no está en armonía con el mundo, y la fijación en la materia pictórica es un deseo, a veces vano, de eternizar esa belleza.

Entrevista y Edición por Héctor Díaz

Fundador y Director de la Galería Internacional de Arte Contemporáneo HECTOR DIAZ 

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